La sélection de Yinka Ilori

Artiste multidisciplinaire londonien, Yinka Ilori se spécialise dans l'architecture et la sculpture, fusionnant son héritage britannique et nigérian pour définir de manière humoristique et décalée le design contemporain. Le créateur anglais, qui a fait ses premiers pas dans le milieu en 2011 en recyclant du mobilier vintage, dirige aujourd'hui un studio florissant d'architectes et de designers passionnés par les couleurs. Pour notre interview, Yinka s'est prêté au jeu des dix questions et a également sélectionné ses dix pièces préférées chez The Conran Shop. Des housses de coussin et accessoires décoratifs aux ouvrages inspirants et icônes Eames et George Nelson, son inspiration est sans conteste inépuisable.

1. Bienvenue chez The Conran Shop, Yinka ! Pourriez-vous nous en dire plus sur vous et votre studio ?

J'ai créé Yinka Ilori Studio en 2011, juste après avoir été diplômé de la London Metropolitan University. Au début de ma carrière, j'ai exploré le storytelling à l'aide du design, notamment par le biais du recyclage de mobilier. Depuis, ma pratique s'est développée et englobe aussi bien le mobilier que les produits, la scénographie et les installations outdoor à grande échelle, des projets inspirés par mes origines nigérianes et la passion de mes parents pour narrer des histoires.

2. Nous sommes ravis de célébrer la London Craft Week 2022 avec vous et la marque LG. Racontez-nous plus en détail cette collaboration et l'installation qui s'est ensuivie ?

Le plaisir est partagé ! À mes yeux, LG et The Conran Shop sont deux marques avant-gardistes. Comme la plupart des designers, je suis The Conran Shop depuis mes études, et c'est donc un véritable privilège que d'avoir ma propre collection d'accessoires présentée en boutique. Je possède également un écran LG à la maison, je trouve la qualité de leurs écrans édifiante.

J'ai été contacté pour ce projet par LG, qui lançait au même moment son nouvel écran en collaboration avec The Conran Shop. Ils souhaitaient que je crée une vitrine avec leurs modèles OLED evo, et m'ont chargé d'interpréter leur slogan « Light Up Your World » et développer ainsi quelque chose d'unique et accrocheur, dans lequel la nouvelle collection outdoor 2022 de The Conran Shop pourrait également être mise en valeur. Comme la couleur et les motifs jouent un rôle primordial dans mon travail, nous avons convenu de créer une œuvre d'art numérique qui pourrait être présentée sur leurs nouveaux écrans, très lumineux en termes de qualité d'image et de couleur.

3. Vous avez intitulé l'installation « Forest of Eyes » ; pourquoi avoir choisi cette partie du visage en particulier ?

Lorsque j'ai commencé à réfléchir à l'installation et en particulier au thème « Light Up Your World », l'œil m'est apparu comme une évidence. Nos yeux sont essentiels pour établir une connexion humaine et peuvent transmettre tant de choses. On entend souvent l'expression « ses yeux s'illuminent », lorsqu'une personne est excitée ou heureuse. En partant de ce constat, j'ai donc pensé à la façon dont nous communiquons notre joie à travers notre regard et à la façon dont, d'un point de vue mécanique, nos pupilles se dilatent lorsque nous rencontrons quelque chose qui nous stimule.

Pendant le confinement, beaucoup d'entre nous ont tenté de sourire avec leurs yeux parce qu'il était impossible alors de voir l'expression de son interlocuteur à travers un masque. Cela m'a également amené à m'intéresser à l'iconographie et à l'histoire des yeux dans différentes cultures. Après des recherches sur la signification des différentes couleurs des yeux, l'idée du motif choisi et de l'installation ont suivi. L'installation en elle-même combine beaucoup de ces différents éléments et tente également de représenter la dilatation des pupilles par le biais de l'animation sur les écrans de télévision LG.

4. Ces vitrines envoûtantes sont accompagnées d'un assortiment de vos créations, des tasses aux tapis ; comment ont-elles vu le jour ?

Les accessoires présentés font partie de la collection que j'ai créée pendant le confinement. À cette époque là, la plupart de mes projets ont été mis en pause ; nous avons tous vécu isolés, séparés de nos familles et de nos proches. En outre, les gens passaient un temps considérable à la maison. L'idée de cette collection était donc d'apporter un brin de gaieté pendant cette période incertaine.

Quant aux motifs, aux couleurs, et aux textures, je me suis inspiré de la végétation et de l'eau, des choses que je voyais ou des endroits devant lesquels je courais ou passais à vélo durant le confinement. Par exemple, j'allais souvent me promener à vélo à Kew Gardens ou courir le long de la rivière.

5. Vous avez vous-même grandi à Londres ; quelle importance revêtent des événements tels que la London Craft Week pour les artistes, les designers et les futurs aspirants ?

Selon moi, des événements comme la London Craft Week sont cruciaux pour plusieurs raisons : ils permettent aux créateurs, designers et artistes émergents et établis de présenter leur travail et de toucher un nouveau public, non seulement à Londres mais aussi dans le monde entier. Ce sont aussi des moments clés où nous pouvons célébrer l'incroyable étendue du talent que l'on trouve au Royaume-Uni. Enfin, c'est une occasion fantastique d'échanger et d'apprendre de ce que font les autres.

6. Quel rôle joue votre héritage britannico-nigérian dans votre travail ?

Il est fondamental ! Étant nigérian et britannique, je communique beaucoup sur mon histoire personnelle, mes souvenirs et mes expériences de jeunesse à travers mon travail.

Dès mon plus jeune âge, j'ai été initié aux couleurs et aux motifs, et cela m'a toujours marqué. Je voyais mes parents et leurs amis s'habiller dans des tenues incroyables faites de textiles luxueux et lumineux. Nos retrouvailles ressemblaient à un kaléidoscope de couleurs et de motifs. J'adorais aussi me rendre sur les marchés nigérians, qui regorgeaient de scènes et d'odeurs différentes. J'ai puisé mon inspiration parmi tous ces souvenirs et moments.

7. Quelles sont d'ailleurs vos plus grandes sources d'inspiration ?

Francis Kéré, David Adjaye et Es Devlin sont trois designers et architectes que j'admire. Es crée les expériences immersives les plus incroyables à travers son travail, ce qui permet aux gens d'avoir l'impression de faire partie de son œuvre. Dans une grande majorité de mes installations, je m'efforce de faire la même chose. J'apprécie vraiment la façon dont Francis et David tissent des histoires dans leurs œuvres. Pour son installation récente au pavillon Serpentine, Francis Kéré a fait référence à un arbre à Gando, un lieu de rencontre pour les résidents locaux. Selon moi, partager des histoires personnelles avec des personnes que vous ne connaissez pas à travers votre travail est un outil très puissant et intime.

8. L'année dernière, vous avez été récompensé de l'Ordre de l'Empire britannique ; que signifie pour vous cet honneur ?

C'est un grand honneur d'être reconnu pour mon travail par mon pays. Parfois, en tant que designer ou artiste, on est amené à travailler en vase clos, alors le fait d'être récompensé de cette manière permet de souligner que le travail que vous produisez a un impact à la fois sur votre communauté et sur votre pays.

9. Un petit Eames House Bird nous a dit que vous aviez un faible pour les chaises. Quel est votre modèle préféré chez The Conran Shop ?

La Coconut Chair de George Nelson : elle est à la fois belle, élégante et terriblement sexy ! J'adorerais en avoir une en cuir noir et blanc. J'ai récemment fait l'acquisition d'une édition limitée par Verner Panton pour Vitra, la Panton Chair Duo, une future pièce de collection dont je suis extrêmement fier.

10. Enfin, quels sont vos projets futurs ?

Espérons que l'avenir me réserve d'autres projets toujours plus passionnants les uns que les autres, centrés sur cette même idée de joie et d'esprit fédérateur. Je prends chaque année comme elle vient, alors nous verrons bien comment les choses évoluent en 2022 et au-delà !